和他的悲剧意识完全吻合的形式，而且是不可再简的形式。
伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）可算作抽象表现派运动的组织者，他是一位学识丰富、精力充沛的艺术家。他早先学习历史、评论和哲学，是一位自学成才的艺术家。随着抽象表现主义开始形成，马瑟 韦尔的活动范围越来越大，1947到1948年，他是具有影响的杂志《可能性》的编辑之一，1948年他和三位著名画家威廉·巴齐奥蒂（William Baziotes）、巴尼特·纽曼（Barnett Newman）和马克·罗思科（Mark Rothko）一起，创办一所艺术学校。1951年他出版了一本达达派画家和诗人的作品集，这本书的出版是“新达达派”诞生的最早信号之一。
马瑟韦尔同时是一位多产的画家，其最为著名的作品是名为<西班牙共和国挽歌>的系列作品。画面主要是黑色的大笔触画在白的背景之上，形成几何化的团块和结构，具有一种纪念碑式的沉稳厚重之感。和波洛克一样，他的笔触也是随意的，所不同的是在作画过程中，马瑟韦尔的理性的力量总是可以起作用的，他试图平衡意识与非意识，在自由表达和保持一定的画面构图之间做出协调。这一系列作品的题材来自于欧洲近代史，西班牙内战爆发时他才二十几岁。画面的每一个笔触似乎都是作者在怀着依恋之情回忆着自己的青年时代。他的作品同时也表明在四五十年代美国风行的\主观性\绘画，并非没有能力处理历史题材或社会题材，而欧洲人认为抽象表现主义只是一种\即兴\艺术也是一种误解。同样是战争题材，我们将马瑟韦尔的系列作品与毕加索的<格尔尼卡>作一比较，可以看出艺术向前推展的进程。作为立体派代表的毕加索的<格尔尼卡>以分割的形象表达了人们对战争的恐惧，而在马瑟韦尔的作品中，我们连一度令人吃惊的分割的形象也找不到了，剩下的只有笔触，色彩也简化成了黑白二色。但这丝毫不影响我们从作品中找到作者的情感和绘画的主题。某种程度上，这样\无意识\地以游动的笔触来表达，比毕加索创作是更为直接，直通人的心灵。作者无须借助描画形象来传达情绪，笔触中已包含了一切的表达。
1949至1976年间，马瑟韦尔创作了差不多150多幅哀歌主题的变体画。他又于1968-1972年左右开始了对其艺术生涯中第二个伟大主题的实践，代表作品是1969年的‖开放第24号‖。作品由一个单一色块的平面和炭笔线条构成，这种对大规模色彩的表现的探索，包括从相对统一，但非平涂的色块到有节奏感，多样化的画法，形象之间有着内在的联系，而不是形式要素简单的排列，正如中国书法的气韵贯通。
马瑟韦尔对于超现实主义的研究比较全面，并且做了有选择的吸收。他对\梦境\不感兴趣，而乐于对某种强烈性和庄严性进行新的探索和发挥。1976年初，他着手表现一个新的主题，也正是从这时起，马瑟韦尔进入了他事业中最多变化和多产的阶段。成为具有独创力的抽象主义代表。
3、色场绘画
色场绘画：又叫“色面绘画”，它实际上是抽象表现主义的另一种表现形式，不过它同波洛克为代表的抽象表现主义有所不同，色场绘画不讲究动势和心灵自动主义，却用大片的，统一的抽象色块构成其画面，作品显得更加纯粹，有一种深深的宁静感。画面不出现任何物象，大块色面、色彩完全平涂，光滑平坦无笔触。 代表：纽曼、路易斯
巴尼特·纽曼是抽象表现主义艺术家中最为理智的艺术家之一，他的艺术充满着神秘感和不可知的东西。在一篇未发表的论文，或者说是\自白\中，纽曼阐发了他的观点，明确指出他艺术的题材在最广泛的意义上讲，是创造的神秘与人类存在的含义。在其他的许多文章中，他写道：\??（艺术家）以他的欲望、他的意志来建立有序的真理，那便是他对生命与死亡的神秘性的态度的表达。可以说，艺术家像一个真正的创造者那样探究宇宙。恰恰是这一点
使得他成为艺术家。\年代，纽曼专注于犹太神话中关于创世的传说，这些传说不仅来自于《创世记》，还来自于希伯莱的神秘哲学以及整个犹太神秘思想的传统。大约在1946年，纽曼开始发展出一种绘画形象： 一条光带垂直地从画布的一边通向另一边。这一符号使人想起在《创世记》和希伯莱神秘哲学中不断出现的文学上的暗喻--光作为创造的象征。同时，纽曼也接近另一个传统，即将上帝和人类共同比喻成一束光--造物者与被造者同体。在一组名为‖瞬间‖的绘画中，第一次出现了色带。色带处于柔和的背景之下，纽曼对此并不满意。最后他终于在1948年创作的‖单一Ⅰ‖中找到了最满意的解决。画面是统一的暗镉红的背景下，一条细细的亮镉红色带垂直地深入画面的中心。他把光带称作\，这个形象不仅重新扮演了上帝最初的姿势，还描述了姿势本身：一个独立的形，人类--唯一的直立行走的动物，亚当，男子气概，勃起。
在之后的几年里，纽曼一直朝着这个思路发展，做了各种变体，‖亚当‖即是其一。这件作品尤其在色彩和标题的使用上，似乎直接回到了‖单一Ⅰ‖。这里不仅\象征着人类，其棕红的背景下桔红的色带也许暗示着神秘哲学对《创世记》解释中的另一个象征。这涉及到希伯莱语中adamah和adom之间的关系。Adamah意为\大地\，亚当的名字直接由此而来（上帝用泥土造人），而adom意为\红色\。纽曼也许将色彩与大地及亚当在\创造\的主题中共同联系起来。与‖亚当‖相应还有一件‖夏娃‖，他是将二者作为一对来构思的，相继画了两幅画后便命名为‖亚当‖和‖夏娃‖。
纽曼——以大块色面或垂直、水平的几何图案去追求某种意象表现。《亚当》（也被称为极少艺术的代表）。
路易斯——色域绘画代表人之一。其抽象性绘画颇具开创性，染色技法独特，即在未涂抹底色的纯白画布上，将丙烯颜色与水混合，直接倒向倾斜的画布，让颜色自然向下流淌，于是颜色留下一定的或规整或弯曲的色痕。具有“面纱绘画”的雅称。《扩散的光》。 路易斯的染色技法为波普艺术发展提供了借鉴。
色场绘画中还出现了一种有明显的边线，清晰的外形，两度空间的抽象绘画，人们称之为“硬边艺术”、“硬边抽象”。它抛弃了抽象表现主义的明暗、三度空间效果、自由的色彩和外形，代之以单纯简洁的色彩、平面明晰的形象、光法的外表。
莫里斯·路易斯（Morris Louis）的绘画标志着对色彩与光的探索的一个重要的发展。这一探索可追溯到印象主义时期。路易斯创造了在尺寸不定的、未上底的棉质画布上泼洒颜料的方法，这样，画面看起来更像是染过色的，而不是把颜料画在画布上。于是产生了一种前所未有的色的纯净性，而不再因为笔触在画布上运行产生肌理效果而具有什么含义。（左图）这种技巧与他色彩的抒情性和构图的抒情性与戏剧性直接相关。著名评论家克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）写道：\色彩与背景越取得一致性，它便越能够从与触觉联想的干扰中解脱出来。\路易斯绘画中的最基本的单纯性也经常被另一位批评家埃米·戈尔丁（Amy Goldin）提到：\路易斯从来不是一个复杂的艺术家，他的作品也从来不会产生疑义。\
4、极少主义
极少主义——又称“最低限艺术”，也可叫做“ABC艺术”或“基本构成”。极少艺术发源于抽象表现主义，又反叛于抽象表现主义，与其主要不同表现在：第一，追求最简单的艺术内容，而不是自我表现；第二，追求最简明的表现方法，尽可能减少对艺术质材的加工。 极少艺术是一种以简洁几何形体为基本艺术语言的雕塑运动，它是一种非具象、非情感的艺术，反对直接使用未加工的金属材料、废弃物、实物拼贴，尤其不赞同抽象表现主义那样强烈个性。其艺术家主张艺术是“无个性的呈现”，以极为简单的几何形体或数个单
一形体的连续重复构成作品，而且这些作品都是经艺术家设计后的交加工厂再由机械制造出来的标准产品，它们让人感到强烈的构成感。
5、波普艺术
波普艺术——又称“新达达主义”或“新写实主义”。生活就是艺术，生活中的实物就是艺术。采用画面与实物拼接的方法，或干脆用实物集合的办法达到打破艺术之间各门类，艺术与生活之间的界限。波普艺术是对现代工业社会的肯定，对社会现实的重新关注，对现代生活的直接反映。
劳申伯格——美国波普艺术的代表，也是集合艺术与废品艺术的创始人，《床》是真正被子与枕头向上泼洒颜色。
沃霍尔——美国最著名的波普艺术家，其作品最能体现美国波普艺术的特色。《玛丽莲梦露》
6.欧普艺术
又称“光效应艺术”，是一种光学原理加强绘画效果的艺术，多以抽象的几何形及渐变的明暗和色彩之不同组合，造成观看视觉上的错觉或幻觉效果，包括平面绘画和立体作品，欧普艺术常采用的手法有黑白对比或补色对比的几何纹样错位、重复。造成错觉的空间感和变化感，排斥一切自然的再现现象，也不表现任何情感和思想，仅仅探讨纯粹的色彩和图形的视觉效果。排斥感情表达，排斥个性表现，接近机械制图般画法。
7.偶发艺术
20世纪60年代初在欧美出现的一种艺术现象，同波普艺术有一定的联系，强调艺术同生活的结合，同时也是一种重视过程忽视结果的艺术。有些类似于表演艺术。 行为艺术——是偶发艺术的进一步发展，以艺术家本身的即兴无情节表演或自身的行为体验为一种艺术，甚至让观众参与到艺术的活动中，完全打破了传统的艺术与非艺术、艺术与生活、艺术家与观众的界限。考尔德——《螺旋物体》
8.（观）概念艺术——
又称“形而上艺术”，来源于达达主义者杜桑“绘画只不过是表现的一种手段”。以十分明确和激进的替代物来彻底反对传统艺术的存在实体，毫无异议地推崇语言和语言构成的观念，认为语言及观念才是艺术的真正本质。而给予人们视觉感受的艺术实体是多余的，于是感念艺术的表达方式转向文学、摄影、图表、印刷品、录音、录像、身体、表演等，以此来全面否弃绘画的一切。 科苏恩——《一把和三把椅子》
9.大地艺术——
可以视为艺术与大自然的结合，艺术家把大自然作为创作对象，对大自然进行施工或修饰，既不失大自然本来面目，又可使人们重新认识和评价自然，从中得到新的艺术感受。 克里斯托——《奔跑的栅栏》
10.超级写实主义——
又称“照相写实主义”，主张抛弃主观感受，客观逼真地再现对象，借助于照相式的客观而精确的手法来达到这一目的，使观众对作品一目了然。 克洛斯——《约翰像》
汉森——雕塑《旅游者》
后现代艺术的特征：
一、回到具象：抽象主义者曾指出：“这是一个科学加机器的时代，所谓抽象绘画正是这个时代的艺术表达”。而当科学技术和生产力高度发达导致生产过剩的时候，西方人的科学崇拜意识便日渐淡化，抽象艺术随之受到冷遇，与此同时，关注心灵，关注社会的艺术重新得到提倡。
二、回到架上：回到绘画和雕塑的原有范畴中来，把制作并呈献一个能为观念所感知的画面或物体作为抒情表意的手段，是后现代艺术的新气象，从孤芳自赏的象牙塔中走出来，从自我中心主义的圣坛走下来，后现代主义艺术家全心全意与社会合作，竭力想要消除艺术与大众的距离。
三、多元并存：统一的标准，规范的风格和确定的形式都不复存在，后现代艺术走上了一条反对极端、追求折衷、不尚单一、力倡融合的多样化道路。由于没有统一的样式和共同的风格，因而不存在至尊的权威。有人说现代艺术仍然实行的是君主等级体制，只有到了后现代主义时期，艺术才真正实现了自由民主体制。 。
新表现主义——20C 80年代诞生于美国。说明纯客观的与现代机械文明相结合的，试图打破艺术与生活之间界限的后现代主义艺术思潮和现象。艺术中出现了回归传统的趋势 雕塑
a.阿尔贝托·贾科梅蒂：青铜雕塑《战车》； b.毕加索：青铜雕塑《大狒狒与小狒狒》； c.亨利·摩尔：榆木雕塑《斜倚的人物》、《国王和皇后》； d.赫普沃思：综合材料雕塑《波浪》； e.考尔德：钢片雕塑《白色瀑布》； f.戴维·史密斯：《立方体》。
社会现实主义
1930年在美国兴起了一个被称为社会现实主义的画派。就狭义而言，社会现实主义指的是揭露社会时弊的绘画，就广义而言，还包括反映美国一般生活和地方特征的风俗画，有的作品还带有某种批判性。这个画派发端于20世纪头10年描绘美国城市生活阴暗现实的垃圾箱派，并在30年代初受到墨西哥壁画家的鼓舞。社会现实主义这个名称颇具代表性，它可以引申为一种艺术类型，涵盖一切反映社会现实的艺术。这种艺术有的侧重于为政治服务或表现革命目的，有的倾向于为现代工业社会服务，为中下层人民服务，有的主张艺术家与工人阶级认同。这种艺术的思想根源可以追溯到未来主义、构成主义、包豪斯等20世纪初现代主义艺术的某些观念，也受到俄国十月革命的鼓舞。
在这种艺术类型中，富有代表性的是20年代与30年代出现的以里维拉、奥罗兹科和西凯罗斯为代表的墨西哥壁画运动。1922年，这三位画家组建了墨西哥技术工人、画家、雕塑家革命同盟，在其宣言中宣布断绝与一切贵族艺术的关系，呼吁为人民创造启发和激励他们去斗争的类，创造具有社会目的的、纪念碑般表现形式的新艺术，认为只有这种艺术才是人民的财富。